Arte para pasar el invierno en el MEC

Remo Bianchedi: obra de la serie "Espíritu del tiempo".

Un nuevo ciclo de muestras del Museo Emilio Caraffa (MEC) ofrece una heterogénea visión del arte contemporáneo a través de diversas disciplinas y reconocidos artistas: Juan Melé, Remo Bianchedi, Adriana Bustos, Juan López Martínez, Leo & Daniel Chiachio Giannone, entre otros (ver detalle más abajo).

Las muestras se podrán visitar hasta el 1º de septiembre. Simultáneamente, se realizarán las siguientes actividades complementarias:

  • Sábado 7 de agosto, a las 18.00: concierto coral a cargo del Coro Municipal de Oncativo y el Coro de Niños Cantores de Córdoba.
  • Viernes 13 de agosto,  de 16.00  a 20.00: presentación Libro de Editorial Alción.
  • Viernes 20 y sábado 21 de agosto, de 10.00  a 17.00: Jornada de Arteterapia, coproducida junto a la Asociación Argentina de Arteterapia.
  • Miércoles 25, jueves 26 y viernes 27 de agosto, a las 10.00: seminario con Vicente Mullor:  “Crea mucho más que historias, haz fotos. Aproximación al pensamiento de la fotografía”.
  • Viernes 27 de agosto: clase abierta con Remo Bianchedi, Pablo Padilla y Cecilia Irazusta.

Escultura
Si bien no integra formalmente este ciclo de muestras, recomiendo prestar especial atención a la escultura  emplazada en la explanada de ingreso al MEC, obra realizada por artista italiano Diego Esposito en su reciente estada en Córdoba. La pieza de gran volumen, ejecutada en mármol y acero, pertenece a la serie “Latitud-Longitud”  y pasará a formar parte del Jardín de Esculturas del MEC.

Museo Emilio Caraffa (MEC)
Poeta Lugones 411
X5000HZE, Córdoba
Tel./Fax: 0351 434 3348/49
www.museocaraffa.org.ar

Horarios
Martes a viernes, de 10.00 a 20.00.
Sábados y domingos, de 10.30 a 19.00.

Entrada
General $3; estudiantes $2; menores de 12 años, jubilados, estudiantes de arte:  gratuita; miércoles: gratuita.

Transporte
(Líneas a Plaza España)
A – A2 – A3 – A4 – A6 – A8 – A9 – A10
C3 – C7 | D1 – D4 – D5 | E1 – E5 | N3 – N6 | R5

Muestras que integran este ciclo,
reseñas y biografías de los expositores:

Juan Melé

Melé en el arte concreto actual

Construcciones

Sala 1

Juan Melé: "Invención n169", acrílico s/tela, 170x328 (1982).

Juan Nicolás Melé se destaca como activo participante de una tensión clave en la historia del arte argentino: la discusión dada entre los promotores de la innovación de la práctica artística y los defensores de un academicismo oficial y conservador, acontecida en la década del 40. Partidario de un arte no figurativo, Melé integró a partir de 1946 el grupo “Asociación Arte Concreto-Invención” y trabajó desde entonces con actitud militante en la observancia de su más caro principio, “ni buscar, ni encontrar: Inventar”. La poética de su obra se centra así en una estética científica que se libera de la noción del arte como medio de representación del mundo y de la expresión de contenidos subjetivos, para emular el proceso metódico de la ciencia y apropiarse de sus descubrimientos. Practica de esta manera una artisticidad basada en una fuerte racionalidad reflexiva y autorreferencial, centrada en la apreciación de valores eminentemente plásticos.

Su obra indaga las posibilidades del arte geométrico incursionando en composiciones caracterizadas por una gran economía compositiva, en cuadros-objeto que incorporan de manera constructiva el relieve y el marco irregular introduciendo en la obra el espacio real, así como los efectos ópticos resultantes de contrapuntos de color y sombras arrojadas por las aristas. En oportunidades explora también los efectos de luces de neón resaltando esta tridimensionalidad y acercándose a la escultura, lenguaje que practica de igual forma trascendiendo sus límites disciplinares al convertirla en soporte de un calculado ejercicio pictórico. En su vasta trayectoria utiliza además el collage y el gofrado, ejerce una importante labor docente y publica numerosos escritos sobre arte.

Biografía

Juan Nicolás Melé nace en Buenos Aires, el 15 de octubre de 1923. A los 11 años comienza a estudiar dibujo y en 1939 ingresa en la Escuela Preparatoria Manuel Belgrano, donde concurre hasta 1941. Luego asiste a la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón, de donde egresa como profesor en 1945.

En la década del ’40 surgen en Argentina las tendencias que, afirmando una estética científica basada en una ideología materialista, se proponen construir una pintura no figurativa. Juan Melé es uno de los representantes de esta tradición artística, en tanto su proceso creativo evidencia una búsqueda intensa y una participación activa en el ámbito artístico de vanguardia de los años 40, que se halla marcado por la aparición de la revista “Arturo”, en 1944, y por la “Agrupación Arte Concreto Invención”, en 1945. Agrupación de la que se desprenden la “Asociación Arte Concreto Invención” (1945) y el grupo “Madí” (1946).

En 1946, Melé se une a la Asociación de Arte Concreto Invención, cuyos manifiestos y producciones están atravesados por la necesidad de explorar las posibilidades de elementos plásticos esenciales en función de una pintura destinada a representar la bidimensionalidad del plano. En 1949, se disuelve este grupo pero en adelante, Melé continúa desarrollando su lenguaje a partir de bases constructivas.
Desde 1948 hasta 1950 vive en París, como estudiante patrocinado por el gobierno francés. Estudia en la Escuela del Museo del Louvre y en la Alianza Francesa, y realiza numerosos viajes por Europa, para entrevistar y estudiar con artistas concretos como Vantongerloo, Pevsner, Domela, Brancusi, Munari, S. Delaunay, Max Bill, el historiador Michel Seuphor y otros.

Regresa a Buenos Aires y desarrolla una amplia labor docente. En 1957, es nombrado por concurso Profesor Titular de la cátedra de Historia del Arte en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón.

Después de otros viajes, entre 1974 y 1986, se instala en Nueva York, donde se dedica a la creación y expone en forma continuada, sin dejar de hacerlo también en Buenos Aires. Luego, regresa a Argentina y realiza una retrospectiva en el Museo de Arte Moderno en 1987.

En 1990, ingresa en la colección Von Bartha, de origen Suizo, y desde ella su obra es incorporada a museos y colecciones internacionales. En el mismo año regresa a París y comienza a trabajar alternadamente en esa ciudad y en Buenos Aires. Comienza la serie de “Relieves”, negros y luego blancos, con los que plantea una “especie de pacto entre la bi y la tridimensionalidad”. (1) Entre 1995 y 2000, asiste al taller parisino del grabador Bo Halbirk. Allí inicia la nueva experiencia del grabado en su modalidad de gofrado y collage, donde traslada la idea de los relieves. Le suceden obras en neón que acentúan reflejos de colores.

Relieve 632 yRelieve 806, pertenecen al amplio conjunto de relieves, en donde queda reafirmada su necesidad de reincidir de otro modo en el arte concreto. Cada resolución se halla enmarcada en aquella modalidad del cuadro objeto, en tanto dotadas de elevaciones y hundidos, cortes y vibraciones colorísticas en sus bordes. Con estas obras, Melé “juega ambiguamente a una permanencia del cuadro en el sentido tradicional y a la creación de otra dimensión que se anexa y lo desborda”. (2)

Juan Melé ha compartido su actividad plástica con la docencia, disertaciones y escritos sobre arte. En 1999 publicó su libro “La vanguardia del 40. Memorias de un artista concreto”. Recibió varios premios y distinciones entre los que se hallan: Premio Trabucco otorgado por la Academia Nacional de Bellas Artes, 1997; Premio Andreani, Arte BA, 2001; y el Primer Premio en Pintura del Salón Nacional de Bellas Artes, realizado en las Salas Nacionales del Palais de Glace, en 2003.

En 1997 fue nombrado profesor adjunto de la cátedra de Diseño en la Universidad J. F. Kennedy, y en 2002, fue designado Académico de Número de la Academia Nacional de Bellas Artes. Su obra forma parte del patrimonio de importantes museos y colecciones internacionales.

Realizó exposiciones individuales en Buenos Aires, San Juan, Mar del Plata, Nueva York, Filadelfia, Washington y París. Participó en muestras colectivas y bienales internacionales en Buenos Aires, Caracas, París, Mar del Plata, San Pablo, Nueva York, San Juan de Puerto Rico, Los Ángeles, Milán, Basilea, Sevilla, Colonia (Alemania), Madrid, Londres, Tokio, Copenhague, México D.F.,  y otras ciudades.

Actualmente, vive y trabaja en Buenos Aires.

Remo Bianchedi

Trabajos 2006 – 2010, una instalación

Salas 2 y 3

Remo Bianchedi: "El regreso del señor Lafuente" (2007).

La obra de Remo Bianchedi se inscribe en una tradición figurativa que dialoga con las tendencias expresionistas y simbolistas. En sus cuadros y dibujos, el modelado de la figura se ensambla en un fondo cuyos colores y formas logran climas sugestivos. Se destacan sus figuras femeninas, por su calma belleza y su expresión de melancólica dulzura; también ha elaborado una figura masculina adolescente en distintas posiciones de descanso o reflexión. Otra dimensión de su arte, aparece en la manera en que Bianchedi realiza la instalación de sus cuadros, de acuerdo al lugar de exposición y de la idea que unifica el conjunto. De esta manera, enhebra el antiguo arte de pintar con los nuevos lenguajes estéticos. Mediante el rescate de la dimensión simbólica del arte, Bianchedi ha creado un sereno y desgarrado manifiesto, un llamado a la contemplación mediante figuras y colores.

Biografía

Remo Bianchedi nació en Buenos Aires en 1950. Vivió en la provincia de Jujuy desde 1969 hasta 1976, en ese año recibió la beca Albrecht Dürer y se fue a Kassel, Alemania, a estudiar diseño gráfico y comunicación visual en la Escuela Superior de Artes. La experiencia que lo marcó definitivamente fue tener como maestro a Joseph Beuys, del cual Bianchedi se considera discípulo.  Entre 1981 y 1982, Bianchedi vivió en Madrid. En 1983, con el retorno de la democracia, volvió a Buenos Aires hasta que, en 1991, se instaló en las sierras cordobesas, en Cruz Chica, muy cerca de La Cumbre.  Bianchedi ha participado en numerosas exposiciones colectivas e individuales. Sus muestras conforman instalaciones, donde los cuadros se configuran de acuerdo al lugar de exposición. Suele haber una idea que aglutina el conjunto, con un sentido político o íntimo, bien caracterizada por los poéticos y contundentes títulos de sus muestras. Remo Bianchedi es miembro fundador del taller Nautilus, que tiene como objetivo dar una respuesta a problemáticas sociales a través de la práctica artística.

Leo & Daniel Chiachio Giannone

Divino

Bordado, porcelana y pintura

Sala 4

Chiachio & Giannone, son artistas visuales que desde hace tiempo trabajan juntos, en un proyecto artístico que reúne variadas técnicas: dibujos, bordados y cerámicas. Aún así, el bordado con hilos, mostacillas y botones, es el centro neurálgico de una obra construida entre ellos dos. Leo y Daniel, que provienen de la pintura, recuperan técnicas de antaño y actividades relegadas al mundo femenino e infantil, al que se suman con sus propias historias y estilo personal. Muchas de sus imágenes funcionan como autorretratos, donde los artistas se plasman a sí mismos, en diversos paisajes y situaciones, los que parecen ser elegidos por su exuberancia y voluptuosidad. En estas fotografías de un mundo fantástico, también incluyen a su perro Piolín, que en la mayoría de los casos, ocupa un lugar importante en la composición espacial, pero también afectiva, de la escena diseñada. El trabajo, el contacto con la pieza, es de gran importancia para este conjunto de obras que expresa la laboriosa concentración de los artistas en un universo que constantemente se expande.

Biografía

Leo (Buenos Aires, 1969) y Daniel (Córdoba, 1964) viven y trabajan juntos en Buenos Aires desde el año 2003.

Sus obras forman parte de numerosas colecciones públicas y privadas.  Participan en diversas muestras colectivas, salones, residencias de artistas y demás actividades en el país y exterior.

MomentoLux

Diálogos a la intemperie

Fotografía

Sala 5

Joan Fontcuberta (MomentoLux): "Auschwitz".

ProyectoLux nace como un entorno multidisciplinar destinado a la instrucción y formación con profesores y artistas de ámbito nacional e internacional.

Su objetivo es formar profesionales en el campo de las artes visuales, generando programas de cooperación y confrontación entre artistas y alumnos por medio de debates, talleres, conferencias, y cursos.

Es una red de iniciativas privadas dedicada a generar herramientas que faciliten la visibilidad de las producciones emergentes, propiciando el intercambio cultural.

La propuesta conceptual consiste en indagar en torno a la problemática de la imagen fotográfica contemporánea a la vez que presenta la intención de plantear una convergencia de teoría y práctica fotográfica. Para ello se proponen diversas actividades en el marco de la muestra:

– Conferencia sobre la fotografía contemporánea en España

– Visionado de Portafolios por Pep Benlloch (ver Biografía)

– Seminario dictado por Pedro Vicente Mullor, director del Simposio del Festival Internacional de Fotografía SCAN.

Daniel Canogar (MomentoLux): "Otras geologías".

La exposición presenta obras de Bleda y Rosa, Joan Fontcuberta, Daniel Canogar, Ana Teresa Ortega, Montserrat Soto, Xavier Ribas, Mira Bernabeu, Jordi Bernadó, Valentín Vallhonrat y Miguel Trillo que en estos momentos forman parte, entre otros, propuestas la fotografía española y permiten reflexionar sobre la situación de la fotografía contemporánea de cada uno de los países implicados en el proyecto.

Además de Córdoba, estas actividades tendrán lugar en: Santiago de Chile (Chile), Bogotá (Colombia) y México D.F. y posteriormente en Valencia (España).

Biografía

Pep Benlloch (Valencia 1950) es Director de la Galería Visor desde su fundación en1982 hasta la actualidad. Es Profesor  de Fotografía  en la Facultad de Bellas Artes de Valencia, Director del Master en Fotografías de la Universidad Politécnica  de Valencia y codirector del Programa de Doctorado “Fotografía y nuevos medios audiovisuales: de lo analógico a lo digital”. Ha actuado como curador de numerosas exposiciones  en Europa  y dirigido seminarios específicos. Se dedica  además a la gestión de proyectos artísticos.

Adriana Bustos

Mulas y Caballos

Fotografía

Sala 6 y 7

Adriana Bustos: "Jacki y la ilusión de Fátima".

En esta muestra de Adriana Bustos, tenemos la oportunidad de ver reunidos dos grandes líneas que configuran su actividad como artista. Las mulas y los caballos son los elementos que ha utilizado como significantes de una realidad compleja, donde se unen cuestiones históricas, estéticas y económicas. A partir de la crisis del 2001, que comienza a crecer el número de los carros de cartoneros y la precarización general de los trabajadores, Adriana Bustos comienza a plasmar a través de distintos registros (fotografías, videos, láminas) una contundente metáfora visual de la realidad de la explotación. En el trabajo estético de Adriana Bustos, hay una operación minuciosa por escarbar en la materialidad misma de las palabras (de la mula como animal de carga a la mula como transporte de droga, de las sierras cordobesas al artista Cerrito), lo cual le permite decodificar un entramado complejo de realidades superpuestas, en un sistema de explotación que se perpetúa hoy desde los tiempos de la colonia. A través de este cruce entre reflexión e imagen, Adriana Bustos produce una obra novedosa en el campo local, rica en significaciones y posibilidades.

Biografía

Adriana Bustos nació en 1965 en Bahía Blanca. Es egresada de la Facultad de Psicología de la UNC y de la Escuela Provincial de Bellas Artes Figueroa Alcorta. Recibió una beca de Perfeccionamiento del Fondo Nacional de las Artes para estudiar pintura con Marcia Schwartz en 1994, y otra para participar en la Clínica de Artes Visuales del Centro Cultural Rojas de Buenos Aires (2005). Allí tiene como docentes a Eva Grinstein y a las artistas plásticas Diana Aisenberg y Graciela Harper. En 2003 obtuvo una beca de la Fundación Antorchas para asistir a los encuentros de Producción y Análisis de Obra, llevados a cabo en Córdoba; en 2006 integró el grupo seleccionado de la Beca Intercampos II de la Fundación Telefónica. Programa de Análisis y Desarrollo de Proyectos dentro del Campo Visual, coordinado por Patricia Hakim, Justo Pastor Mellado y Valeria González. Posteriormente realizó clínica de obra con Fabiana Barreda y Mónica Girón.

El interés de Bustos por el registro documental hace de la fotografía y el video los soportes por excelencia dentro de su producción. Su obra presenta una visión de la ciudad de Córdoba y de sus habitantes, atravesados por la realidad social. En este sentido, Proyecto 4×4, desarrollado a partir de 2003,  es un trabajo emblemático en su recorrido artístico, que tiene sus raíces en la crisis económica  en la que se ve sumergida Argentina en 2001. La figura del cartonero emerge en esos avatares y los caballos que tiran de sus carros en las calles cordobesas se transforman en los protagonistas de un conjunto de piezas de alto contenido crítico y social.

Primavera (2003), video que muestra el recorrido del equino desde la perspectiva del animal; un grupo de retratos fotográficos donde —a modo de homenaje y con un cierto tinte de ironía— los caballos son representados sobre fondos azules, a la manera de una foto carnet (2004); y su posterior serie Empotrados, en la que Bustos plasma con su cámara el comportamiento de una yegua dentro de una casa de una zona residencial de Córdoba. Esas son algunas de las piezas que conforman el proyecto.

Deviene, más tarde, la serie Ejemplares, donde queda incluida Barón en un Cerrito, obra con la que obtiene el Primer Premio no adquisición de la Cultural Chandon llevada a cabo en Salta en 2006. Esa fotografía —que muestra un caballo cartonero sobre un paisaje pintado al estilo del clásico artista cordobés Egidio Cerrito— oscila entre la cita pictórica, la referencia política y la parodia del retrato de caballos con pedigrí, género cultivado por las altas esferas inglesas en el siglo XVIII.

Participó en diversas muestras colectivas, entre las que se hallan: 5ª Bienal del MERCOSUR, Porto Alegre, Brasil; Cultural Chandon, Museo Provincial de Bellas Artes Timoteo Navarro, San Miguel de Tucumán (2005); 4×4, Barcelona, España; Poéticas Urbanas, Guadalajara, México; Sisizonnon, Museo de Arte Contemporáneo de Salta; Premio OSDE, Museo Provincial de Bellas Artes Emilio Caraffa, 2006; y Premio Andreani, Centro Cultural Recoleta (2007).

Recibe, entre otras distinciones: Mención Especial del Jurado, Cultural Chandon, Museo Caraffa (2004); Braziers Internacional Artworkshop, Oxford, Inglaterra; y Beca Phoenix Art Association, Brighton, Inglaterra (2006).

Su obra integra colecciones privadas y públicas. Entre estas últimas, se hallan: Museo Caraffa, Museo Genaro Pérez y Museo Castagnino+macro de Rosario.

Juan López Martínez

Otras escrituras

Pintura

Salas 8 y 9

Juan López Martínez: detalle de una de las obras expuestas.

La obra plástica de Juan López Martínez, es producto de un recorrido intenso por diferentes regiones iconográficas de las imágenes Precolombinas. Sus pinturas, tejidos e impresiones digitales se despliegan en un proceso que permanece en estrecho vínculo con su estudio de las culturas andinas. Su formación como antropólogo y su trabajo en el Museo Etnográfico “Juan B. Ambrosetti” de la UBA, donde trabaja en el área de Textiles Arqueológicos Andinos, son un complemento perfecto para su obra.  El sistema estético Wari, se constituyo a lo largo de sus viajes y búsquedas en uno de sus principales intereses y pasiones. A partir de la producción de los pueblos andinos López Martínez actualiza un universo, trazando puentes entre el pasado y  presente, pero especialmente entre diferentes cosmogonías. Su obra es testimonio de una cultura que se narra a través de sus imágenes, y de las cuales se pueden descifrar códigos que aun nos interpelan.

Biografía

Juan Miguel López Martínez nace en 1968 en Buenos Aires, Argentina. Cursa estudios de Letras y Antropología en la Facultad de Filosofía y Humanidades y Letras de la Universidad de Buenos Aires, completando su formación mediante prolongados viajes de estudios por Bolivia y Perú; es precisamente durante su residencia de ocho meses en Cusco que comienza su especialización en tejidos andinos, posteriormente ampliada por medio de cursos, seminarios y talleres de perfeccionamiento en técnicas textiles precolombinas.

Como integrante de los equipos técnicos del Museo Etnográfico “Juan B. Ambrosetti” de la UBA, trabaja en el área de Textiles Arqueológicos Andinos bajo la guía de la Licenciada Isabel Iriarte (1996-2002). En tal calidad, investiga la iconografía de los tejidos Wari y Paracas de las colecciones del Museo, aportando nuevos datos ligados al sistema espacial y formal utilizado en dichos materiales. Asimismo, participa como ilustrador en diversos proyectos y publicaciones.

En su práctica como artista visual,  a partir de 2000 realiza un extenso conjunto de obras en distintos soportes  -pinturas, arte digital, libros de artista, video-animación- como resultado de su profundo interés por el sistema estético Wari. Considerando al telar como la primera computadora humana, explora el formato matemático de ambos tipos de imagen, ahondando sobre el fundamento antropológico y semiótico inherente a esta relación. En 2005 realiza una residencia   en The Banff Centre of Arts, Alberta, Cánada, donde desarrolla un proyecto de video-animación, libro de artista e impresiones digitales centrado en la relación que liga las antiguas técnicas textiles con las nuevas tecnologías digitales. Su propuesta de “Escrituras Icónicas” y “Escrituras Modulares” explora el potencial que el formato textil de la iconografía Wari presenta para el desarrollo de una nueva etapa de la Abstracción Geométrica sudamericana.

Fuente: esta entrada fue confeccionada sobre la base de textos y fotos provistos (vía e-mail) por la Oficina de Comunicación del Museo Emilio Caraffa.

Acerca de Ricardo Brunello

Nacido en Córdoba, alejado por mucho tiempo y redescubriéndola desde diciembre de 2006. Licenciado en Periodismo USAL, 1991, Buenos Aires, Argentina. Master en Management Culturale Internazionale, UNIGE, 2002, Génova, Italia.
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Una respuesta a Arte para pasar el invierno en el MEC

  1. Ricardo Brunello dijo:

    El artista Remo Bianchedi ha decidido vender sus obras en forma directa en Mercado Libre. Ver precios y facilidades ofrecidas en el siguiente enlace:
    http://www.facebook.com/l.php?u=http%3A%2F%2Flistado.mercadolibre.com.ar%2Fremo-bianchedi-vende-directo&h=1c4e5

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