El MEC abre 2011 con siete muestras

Mateo Argüello Pitt: “Múltiplo" (fragmento). Técnica mixta s/madera. 200 x 400 cm. Año 2010

El próximo jueves 3 de marzo, a las 20.00, el Museo Emilio Caraffa (MEC) inicia formalmente la temporada 2011 con la inauguración de un conjunto de muestras  de diferentes disciplinas: grabado, pintura, escultura, fotografía, video y objeto. La Camerata Amadeus musicalizará la vernissage, que será de entrada libre y gratuita.

Las muestras que se detallan más abajo podrán visitarse hasta el miércoles 30 de abril de 2011, en los siguientes horarios: martes a viernes, de 10.00 a 20.00; sábados, domingos y feriados, de 10.30 a 19.00.

Antesala
El mismo día de la inauguración, se realizarán las siguientes actividades paralelas en el marco de sus respectivas muestras:

19.00, Foyer
Presentación del Libro “Mateo Argüello Pitt” por el propio artista,  Gabriel Gutnisky, Verónica Molas, Maru Becerra y Fernanda Vicenti.

Entrada libre y gratuita.

20.30, Sala 5
Recorrido por la muestra “Menos tiempo que lugar” con el Curador Alfons Hug.

Entrada libre y gratuita.

Mateo Argüello Pitt: “Múltiplo". Técnica mixta s/madera. 200 x 400 cm .Año 2010

Mateo Argüello Pitt
Múltiple
Pintura y Objetos
Sala 1

Mateo Argüello Pitt nació Córdoba en 1971. En la actualidad vive en Agua de Oro, Sierras Chicas de la misma provincia. Es uno de los artistas jóvenes que se destaca por haber renovado el lenguaje de la pintura, proponiendo con una contundente impronta personal sus propias versiones contemporáneas. Su obra se caracteriza por una explosiva fórmula matérica combinada con sugestivas narraciones figurativas, aunque es imposible reducir su imagen a ninguna categoría. Su poética es sobre todo la lírica desbordada de una búsqueda íntima, que se aleja de las convenciones y las prácticas habituales del mundo del arte. Sin por ello carecer de “mundo” por el contrario su obra es el claro testimonio de un viaje hacia el interior de las cosas, del orden y del tiempo. El artista se encuentra presente en cada víscera de su creación como si a la tela y a la piel los uniera un código secreto.

Ampliación de su biografía
Estudia en la Escuela de Artes de la UNC, de la que egresa en 1998 como Licenciado en Pintura. Entre 1996 y 1997 asiste a un taller dirigido por el artista Remo Bianchedi en Cruz Chica, Córdoba. Realiza un curso de perfeccionamiento en historia del arte dictado por Raúl Santana en el Consejo Federal de Inversiones, Buenos Aires (2001) y participa de los talleres de “Análisis y Producción de Obra” dictado por los artistas Tulio de Sagastizábal, Alejandro Puente y los críticos de arte María José Herrera y Fabián Lebenglick, con el auspicio de la Fundación Antorchas (2000-2001). En el 2002 obtiene una beca de producción como artista residente de la Fundación Valparaíso, Mojacar, España. Entre las distinciones que ha obtenido cabe mencionar: Primera Mención, XXI Salón y Premio de Dibujo Ciudad de Córdoba, Centro Cultural General Paz (1997); Mención del Jurado, VI Salón Municipal de Pintura, Río Gallegos (1997); Mención,  XIX Salón de Pintura Fundación Pro Arte Córdoba, Museo Caraffa, Córdoba. (2000); Mención, XXIV Salón de Dibujo Ciudad de Córdoba, Cabildo Histórico, (2000); Primer Premio, Salón Federal 2000 de Pintura, Consejo Federal de Inversiones, Bs. As. (2000); Premio Lufthansa, XX Salón Nacional Fundación Pro Arte Córdoba, Museo Caraffa, (2001).

Guillermo Rodríguez: obra titulada “La llamadora de almas”. Madera.71 x 27 x 27 cm.

Guillermo Rodríguez
Rituales necesarios
Escultura
Sala 2

Guillermo Rodríguez nació en San Miguel de Tucumán en 1954. Se forma en la escuela de Bellas Artes de la UNT y en la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de Tucumán en la que se desempeña actualmente como profesor asociado e investigador. Actualmente es miembro del Instituto de Investigación sobre Cultura Popular y del Instituto de Arte y Producción de la Facultad de Arte de la UNT. Realizó es­culturas de carácter público, “El Viaje” en los jardines de la Facultad de Artes de Valencia, “El ojo de la memoria”, en la Sierra de San Javier Tucumán, “Monumento a Atahualpa Yupanqui”, en Raco Tucumán entre otros. Realizó tareas escenográficas para el Teatro Inestable de Tucumán (TIT) y el Pulmón.

Benito Quinquela Martín 1: Obra titulada” Accidente en el puerto”. Aguafuerte. 64 x 50 cm.

Quinquela Martín: Obra titulada” Accidente en el puerto”. Aguafuerte.64 x 50 cm. Año S/D

Benito Quinquela Martín
Grabados
Sala 3

Tanto la obra como la vida de Benito Quinquela Martín (1890-1977)  son una elocuente declaración de su sentido de pertenencia al barrio que le dio cobijo. Convertido en motivo permanente de sus representaciones, La Boca es el lente a través del cual el artista interpreta el mundo. Así como sus pinturas y murales, sus aguafuertes, producidas entre 1939 y 1948, plasman las escenas de la actividad obrera y los acontecimientos que se desarrollan en el ambiente portuario del Riachuelo. Pintor del pueblo, promotor de la cultura y generador de espacios de formación y fomento de los demás artistas boquenses, desarrolla su obra y su carrera con una atención irrenunciable  a la realidad social que lo rodea. Es así que  privilegia el mensaje por sobre la técnica, entendiendo que la pintura que se aprende en la academia no es la que se lleva en el alma. Así, con gran sensibilidad y diferentes grados de síntesis, nos presenta el continente que constituye la pasión de su vida, el destinatario de su espíritu solidario y la inspiración de su infinita gratitud.

Quinquela Martín: obra titulada “Puente Nuevo”. Aguafuerte. 65 x 50 cm.

Ampliación de su biografía
(Buenos Aires, 1890-1977) A los seis años de edad es acogido por la familia Chinchella de la Casa de Niños Expósitos, lugar en el que había transcurrido su infancia. Reside a partir de entonces en el Barrio de La Boca, donde concurre a la Escuela dirigida por el dramaturgo José Berrutti. Desde muy joven trabaja en la carbonería de sus padres y a partir de los 15 años también en el puerto. En el Conservatorio Pezzini-Sttiatessi, que funcionaba en la Sociedad Unión de la Boca,  estudia dibujo con el pintor Alfredo Lazzari. En esos años se vincula con Fortunato Lacámera y Juan de Dios Filiberto, con quienes asiste a la Academia, y con Santiago Stagnaro, que orienta sus lecturas y más tarde con Guillermo Facio Hebéquer, Pío Collivadino, Director de la Academia Nacional de Bellas Artes y Eduardo Taladrid, su Secretario, que tendrá gran trascendencia en su carrera.

Expone por primera vez en 1910 en una muestra de artistas boquenses organizada por La Sociedad Ligur. En 1914 participa en el Primer Salón de Recusados. En 1916 aparece en la revista Fray Mocho el primer artículo que comenta su obra. Ese año sus obras son aceptadas por primera en el Salón Nacional, donde será distinguido con el Tercer Premio en 1920 por Escenas de trabajo en la Boca. En 1918 realiza su primera exposición individual en la galería Witcomb y al año siguiente en el Jockey Club. En 1920 firma por primera vez como “Benito Quinquela Martín” en la sala de Witcomb de Mar del Plata.

En la década del 20 expone en España, París, Nueva York, La Habana, Roma y Londres y luego en las provincias del interior del país: Museo Rosa Galisteo de Santa Fe (1931), Museo Provincia de Bellas Artes de Tucumán (1943), Mendoza y La Plata (1949), Bahía Blanca (1953), Museo Provincial de Bellas Artes “Emilio A. Caraffa” Córdoba (1955).

Durante los años ´30 funda y preside “La Peña” (en el Hotel Castelar), centro de reunión de artistas plásticos y escritores.

En 1933 dona al Estado un terreno destinado a la construcción de la Escuela-Museo Pedro de Mendoza (1936) y el Museo de Bellas Artes de La Boca que comienza a funcionar bajo su dirección en 1938. En los pisos superiores de ese edificio instala su taller y residencia privada. Hacia 1948 crea la “Orden del Tornillo”, sociedad de artistas de la que será Gran Maestre. En años sucesivos efectúa otras donaciones de terrenos, donde se erigen diferentes instituciones: la Escuela de Artes Gráficas “Armada Argentina”, un Lactario Municipal (1947), un Jardín de Infantes (1948) y el Instituto Odontológico Infantil (1957). Entre los años 1957 y 1968 construye el Teatro de la Ribera, que inicia sus actividades en 1971.

En 1972 fue nombrado Miembro Honorario de los claustros de la Universidad de Buenos Aires y homenajeado por el Fondo Nacional de las Artes en 1974.

Fallece en Buenos Aires en 1977.

“Nacimiento de la Venus cartonera”. Acrílico sobre lienzo.95 x 142 cm. Año 2009.

Charly Medina
Retrospectiva
Pintura
Sala 4

Charly Medina nació en la ciudad de Río Cuarto en el año 1957. Aactualmente reside en Unquillo, Córdoba. Su intensa trayectoria se despliega a través de una potente y personal obra pictórica que se caracteriza por retratar una realidad marginal.

Medina se permite mirar el arte a través de su propia pintura y desde allí nos conduce por nuestro propio tiempo y espacio, derribando bruscamente algunos modelos establecidos. En su obra pictórica utiliza “nuevas referencias” visuales: la televisión, la historieta, y el cine, pero sobre todo la gente que nos rodea y la calle que habitamos cotidianamente. Una clave de su trabajo, puede definirse en torno a la pobreza, en la desigualdad social el artista encuentra una tensión primordial para pensar y parodiar la condición humana.

Ampliación de su biografía
Nació en la ciudad de Río Cuarto (Provincia de Córdoba, Argentina) en 1957. Egresó de la Escuela Provincial de Bellas Artes en 1983. Por espacio de 30 años trabajó como creativo en diversas agencias de publicidad de Córdoba y diseñador e ilustrador en Brasil y España. Actualmente está radicado y desarrolla su obra en Unquillo, provincia de Córdoba.

Colectiva del Goethe
Menos tiempo que lugar
Videos
Sala 5

Menos Tiempo que Lugar recorre el Sur de América que en su expansión geográfica-simbólica denota, para nuestra inagotable sorpresa, una variedad fascinante de formas culturales y naturales. A través de las obras seleccionadas nos muestra la fascinante acumulación y diversidad de materiales, épocas y significaciones, desde las creencias religiosas hasta las operaciones creativas que definen las identidades de todo el continente. Curada por Alfons Hug (Alemania/Brasil) y Paz Guevara (Chile/Alemania) se delimita por un eje temporal que funciona críticamente: el Bicentenario de la Independencia. Los antecedentes conceptuales se remiten a la Carta de Jamaica escrita por Simón Bolívar a principios del Siglo XIX. Los artistas  visuales Narda Alvarado (Bolivia), Claudia Aravena Abughosh (Chile), Leticia El Halli Obeid (Argentina), Christine de la Garenne (Alemania), Fernando Gutiérrez (Perú), Bjørn Melhus (Noruega/Alemania) y Martín Sastre (Uruguay) nos invitan a este recorrido por sus obras entre los pliegues del tiempo. La exhibición fue concebida por el Goethe-Institut con el apoyo del Ministerio Federal de Relaciones Exteriores de Alemania y en la Ciudad de Córdoba es realizada en cooperación con el Goethe-Institut de Córdoba y el Museo Caraffa.

Biografías

Leticia El Halli Obeid: obra titulada “Dictados”. Video, color, sonido. 25:30 min.Año 2009

Leticia El Halli Obeid (Córdoba, 1975). Artista especializada en video. Estudió en la Escuela de Artes de la Universidad Nacional de Córdoba y fue becaria de la Fundación Antorchas. En 2006 participó del premio Petrobrás con un proyecto en video que se exhibió más tarde en la Bienal del Mercosur (Porto Alegre, 2007). Fue artista residente en el Atlantic Center for the Arts en EE.UU. y en la Cité Internationale des Arts de Paris.

Está a cargo de un programa de documentación audiovisual en el Teatro San Martín de Buenos Aires, ciudad en la que vive y trabaja

Actualmente, Leticia El Halli Obeid es  la artista que representa a Argentina a en la muestra “Entre Siempre y Jamás”, organizada por el Instituto Italo-Latino Americano (IILA) y la Biennale di Venezia, en el marco de la 54 Esposizione Internazionale d’Arte. El título de la exposición es una cita de un poema del escritor uruguayo Mario Benedetti, y es dedicada al Bicentenario de la Independencia Latinoamericana, recuperando el significado de la Independencia y del Patrimonio cultural articulando sus ecos temporales y locales a través del Arte. Las obras de la exposición dan cuenta de las decisivas transformaciones políticas, sociales y culturales a las cuales los estados americanos se ven sometidos en la actualidad.

Narda Alvarado (La Paz, 1975). Estudió arquitectura y construcción en La Paz. Entre las residencias que realizó se destacan una estadía de investigación de dos años en la Rijksakademie van beeldende kunsten de Ámsterdam y la del Jerusalem Center for the Visual Arts, así como el Braziers Internacional Artists Workhop en Inglaterra. Participó en las bienales de Venecia, San Pablo, Moscú, Busán, Mercosur, La Habana y Fortaleza. Realizó dos exposiciones individuales e innumerables colectivas alrededor del globo. En la actualidad se interesa, entre otras cosas, por el proceso mental generador de arte, la vida, pasión y pensamiento del poeta como paradigma de ser humano sensible y necesario para la sociedad, la construcción del caos ordenado y la arquitectura como una construcción de conceptos.

Claudia Aravena Abughosh (Santiago de Chile, 1968). Vive y trabaja en Santiago y en Berlín. Estudió diseño gráfico y comunicación audiovisual en la Universidad ARCIS y el Instituto ARCIS de Santiago de Chile. Entre las distinciones que recibió se destacan la beca de Stiftung Kunstfonds, Bonn, Alemania; Artist in Residence de la Fundación Camargo, Cassis, Francia; FONDART, Beca nacional de fomento del Ministerio Cultural de Chile; Primer Premio Golden Cube, Festival de Cine Documental y Video de Kassel, Alemania (2003); Beca Künstlerinnen-Förderung del Senado de Berlín; y Premio del Festival Internacional de Cortometrajes de Oberhausen (2002). Últimamente participó, entre otras exposiciones, de la Décima Bienal de La Habana en 2009; la muestra “Rasgos Árabes en América latina” del Centro Cultural de España en Santiago, México D.F. y El Salvador; “Video en Latinoamérica – Una historia crítica”, exhibición itinerante en España y Latinoamérica; “Lo Sazio dell’uomo”, Fundación Merz, Torino; y Videolounge “Here there and anywhere”, Akademie der Künste, Berlín.

Christine de la Garenne (Karlsruhe, 1973). Estudió en la Academia de Bellas Artes de Karlsruhe y filología alemana en la Universidad de dicha ciudad. Se especializó en artes de los medios y obtuvo becas para realizar diferentes residencias internacionales en Los Ángeles, Paris y Pekín. Fue profesora invitada en la Academia de Bellas Artes de Génova y actualmente lo es en el Art Center Collage of Design de Pasadera, Los Ángeles. Ha exhibido su trabajo en numerosos festivales internacionales. Sus videoinstalaciones tematizan el fenómeno de la percepción: capturan la realidad y la desmenuzan echando luz sobre sus detalles. A través de la manipulación y reproducción de aspectos visuales y auditivos, así como de las coordenadas de tiempo y lugar, lo que surge es una imagen quebrantable de la realidad. Sus obras reúnen elementos contradictorios como la contemplación y la agresión, y alternan secuencias de fuerte carga emocional con planos de carácter meditativo.

Fernando Gutiérrez (Trujillo, 1978). Estudió en la Universidad Católica del Perú. Obtuvo el primer puesto a nivel nacional y el tercero a nivel latinoamericano de Philips Arts Expression (2002); el tercer puesto en pasaporte para un artista otorgado por la Embajada de Francia (2004); y la financiación de la fundación Pollock-Krasner para concluir el proyecto “Superchaco”. Ha participado en varias muestras colectivas en su país y en el extranjero, y una exposición individual en la Galería Lucía de la Puente. Sus obras se centran en el análisis del héroe secundario en un mundo de segundos, de hermanos menores, pertenecientes a una sociedad que nunca aprendió a verse a sí misma, sino que nació ya con la mirada hacia fuera, y en donde de por sí no hay lugar para la competencia sino sólo para la contemplación e imitación.

Bjørn Melhus: obra titulada “Hecho en México”. Video, color, sonido. 4 min Año2009. Noruega | Alemania.

Bjørn Melhus (Kirchheim/Teck, 1966). Estudió en la Academia de Bellas Artes de Braunschweig, Alemania y en el California Institute of Arts de Los Ángeles, Estados Unidos. En los años 2001-02 fue becado para participar del International Studio and Curatorial Program (ISCP) de Nueva York. Realizó residencias en el Kyoto Art Center de Japón y en el Civitella Ranieri de Italia. Desde 2003 es profesor en la Escuela de Arte y Diseño de Kassel, Alemania. Reside en Berlín y desarrolla una prolífica obra en videoarte y videoinstalaciones. Al igual que un crítico de cine suspicaz, Melhus –cuyo arte se centra en la reproducción ilimitada y siempre renovada de su propia imagen– desconfía de la trama de las películas. Sus historias son el resultado de la destrucción y la reconstrucción de un ensamble de palabras e imágenes en una nueva secuencia rítmica, espacial y temporal. Su obra ha sido premiada en diversos festivales de cine, así como exhibida en numerosas exhibiciones internacionales.

Martín Sastre: obra titulada “Episode I: Tango with Obama”.

Martín Sastre (Montevideo, 1976). Expone individualmente en forma internacional desde 2002. Ha participado en las bienales de Busán (Corea del Sur), del Fin del Mundo de Ushuaia, de la Imagen de Ginebra, de Venecia, San Pablo (representación nacional, 2004), La Habana, Praga y la Bienal del Mercosur. Entre los premios recibidos se destacan el Primer Premio ARCO otorgado por la Comunidad de Madrid al mejor artista joven de la Feria internacional de Arte Contemporáneo en 2004 y el Premio Faena 2008-2009 para realizar el video “¿Qué pretende Usted de mí? Mensaje de la Argentina al Fondo Monetario Internacional”, protagonizado por la actriz Isabel Sarli. Actualmente produce su primer largometraje titulado “Miss Tacuarembó” y trabaja en la consolidación de la Fundación Martín Sastre para apoyar a artistas de América latina.

Pablo Baena: S/D. óleo s/ tela.3 0 x 30 cm. Año 2011.

Pablo Baena
Viaje de ida
Pintura
Salas 6 y 7

La pintura de Pablo Baena (Córdoba, 1957) evidencia los  momentos de una actividad permanente, que no merma en su búsqueda desde los viscerales años de postdictadura. Baena es uno de los actores de la renovación plástica de los 80, activo participante de un clima en el que el arte fue puesto al servicio de desoir los límites de lo convencional, de liberarse de cánones de todo tipo, de incorporar el lenguaje existencialista de los neoexpresionismos e informalismos  internacionales imprimiendo en ellos, más allá de toda intencionalidad, el sello propio e ineludible de la historia local reciente.

De suma espontaneidad y enmarcadas en lo que se conoce como “mala pintura”, sus grandes telas  reúnen realidades disímiles, sin afán de fusión ni pasaje, con conciencia del salto y la fragmentación, con las virtudes del montaje y las bondades de la catarsis.

Porque es de los artistas que a través de la pintura se expresan en un lenguaje que desdeña las palabras y la literalidad,  que hicieron  del arte una actitud de vida y un vehículo del descontento.

Pablo Baena: S/D. Óleo sobre tela.40x40 cm. Año 2010.

Ampliación de su biografía
Estudió en la Escuela de Artes de la Universidad Nacional de Córdoba, donde recibió el título de Licenciado en Pintura en 1982. En la misma institución desempeñó cargos docentes en las cátedras Dibujo II, desde 1986 hasta 1990, y en la cátedra de Pintura III, desde 1999 hasta la actualidad. Entre los años 1982 y 1984 estableció su taller en el Paseo de las Artes de la ciudad de Córdoba. Este espacio tuvo particular intensidad en su producción plástica de ese momento, ya que trabajaron allí varios artistas de la misma generación como Jorge Simes, Tulio Romano, Jorge Torres y Daniel Capardi. A lo largo de su trayectoria realizó numerosas  exposiciones colectivas e individuales y recibió distinciones tales como: Primera Mención en el Tercer Salón Juvenil Artes Plásticas APAC, Mención (medalla de plata) en el 2º Salón de Pintura Honorable Senado de la Provincia de Córdoba (1986); Tercera Mención (1989), Segundo Premio-Banco Provencor (1991); Tercer Premio de Pintura, Salón CAYC-Nuevocentro (1992) y Premio Reanult Argentina (2001) en el Salón Pro Arte Córdoba.

Vive y trabaja en Córdoba.

Stéphanie Lacombe: obra titulada “El papá noel / Le père noël” .Fotografía. Año

Stephanie Lacombe
La mesa de lo cotidiano
Fotografía
Salas 8 y 9

Stéphanie Lacombe recorrió Francia durante 3 años, desde ciudades hasta ámbitos rurales, para fotografiar un centenar de familias cumpliendo el ritual banal de la comida diaria. Al colocar la mesa en el centro de cada imagen buscó captar “la materia única de los seres” y narrar sus vidas ordinarias.

La serie “la mesa de lo ordinario”  es un testimonio sobre la vida doméstica y las costumbres contemporáneas en Francia, un país donde la tradición de sentarse a la mesa permanece intacta. Su enfoque realista describe objetivamente el cotidiano de las clases medias y populares francesas.

La artista nos invita a sentarnos a la mesa de lo ordinario, a mirar, a descifrar los clichés, pero también a observar nuestros prejuicios, nuestras propias costumbres y rituales familiares.

Ampliación de su biografía
Fotógrafa autora independiente de 33 años, recibida en la Escuela Superior Nacional de Artes Decorativos de Paris en 2001. En septiembre 2009 integró el colectivo de fotógrafos Myop.

Su reflexión personal se basa sobre la intimidad en su espacio de vida privada, sus documentales fotográficos son realizados en Francia. Durante tres años recorrió el país de ciudad en ciudad, de mesa en mesa para fotografiar un centenar de familias para su proyecto La mesa de lo ordinario que obtuvo el Premio Nièpce en mayo 2009.

En 2007 Raymond Depardon se interesa por su proyecto y la apadrina para los senderos del Olimpo.

En sus proyectos se suele observar una mirada particular sobre lo cotidiano, lo rutinario donde rescata lo particular, lo especial, lo intimo dentro de lo estandarizado y lo ordinario.

Premios y publicaciones que obtuvo  La mesa de lo ordinario: el  Premio Nièpce 2009;  el Gran premio del jurado de la fotografía social y documental de Sarcelles 2008; fue Finalista de la Beca Talentos 2008; fue Galardonada por la Fundación Lagardère 20069 y e l Premio Coup de Coeur de la Caisse d’épargn

Actividades Paralelas

Viernes 4 de marzo
19.00, Sala 2

Recorrido por la muestra “Rituales Necesarios”  con el artista Guillermo Rodríguez.

Entrada libre y gratuita.

Miércoles 13 de abril
19.00, Foyer

Charla en el marco de la muestra “Quinquela – grabados”  a cargo de la Lic. Mercedes Morra.

Entrada libre y gratuita.

Viernes 29 de abril
19.00 Foyer

Charla “Cartonero Báez, ataca de nuevo” a cargo del artista Charly Medina.

Entrada libre y gratuita.

Jueves 10,17 y 31 de marzo – jueves 7, 14  y  28 de abril
20.00, Patio

Ciclo de Cine “El séptimo en el Caraffa”.  Entrada Libre y Gratuita. Consultar cartelera en www.museocaraffa.org.ar

Entrada libre y gratuita.

MEC
Av. Poeta Lugones 411, Nueva Córdoba
Tel.: (0351) 4343348/49
www.museocaraffa.org.ar

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FUENTE: textos y fotos provistos por el MEC.

Acerca de Ricardo Brunello

Nacido en Córdoba, alejado por mucho tiempo y redescubriéndola desde diciembre de 2006. Licenciado en Periodismo USAL, 1991, Buenos Aires, Argentina. Master en Management Culturale Internazionale, UNIGE, 2002, Génova, Italia.
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